Mi nuevo proyecto: FREAKY MIDNIGHT SHOW

Sheri Moon Zombie y Udo Kier estan totalmente invitados pero si y solo si me procrean un nazi mujer loba ... estoy que me hago un nazispolitaion.

De acuerdo. Se que suena pretencioso como el diablo, pero quería hacerlo y no me resistí a mis impuros deseos. Miren. Amo a Murnau, Visconti, Renoir, Antonioni, Fassbinder, Bergman … en serio, los adoro y los que me conocen saben que no miento y saben que seguiré leales a ellos siempre … pero que le vamos hacer … amo el cine basura, friki y raro como un lunático.

Ahora lo que no se es como … bueno… Lo que pasa es que tal y como estas película tiene clara cabida aquí pero quería hacerles un sitio especial con unas reseñas estructuradas y diferentes.

Bien, solo quiero invitarlos a que conozcan el sitio, ya tiene algunas reseñas y me gustaría que tuvieran el sitio en cuenta en pos de una recomendación o de una investigación de este tipo de extravagante cine.

Aviso, por supuesto, que algunas de las películas que reseñe allí pueden estar o estarán reseñadas aquí también, pero con la rutina de siempre. Pero lo dudo.

FREAKY MIDNIGHT SHOW

http://freakymidnightshow.blogspot.com

Gracias y los veo alla.

La conciencia, la vida y la muerte – THE OX-BOW INCIDENT de William A. Wellman

Quisiera decir que THE OX-BOW INCIDENT es uno de los mejores Westerns de todos los tiempos. Pero solo puedo decir que muchos aficionados lo afirman así. Yo no puedo. Como cinéfilo esta confesión que hago ahora mismo a ustedes atrevidos lectores, da mucha pena pero alegría al mismo tiempo. THE OX-BOW INCIDENT es, a mi tierna edad de 17, ya casi 18 años, mi primer Western. Por eso, pena. Pero alegría, porque es simplemente una pieza maestra.

THE OX-BOW INCIDENT, basado en la novela de Walter Van Tilburg Clark (¡La cual quiero leer pero ya!), relata una historia totalmente sencilla, pero con un poder inimaginablemente inmenso. Dos vaqueros, Gil Carter (Henry Fonda) y Art Croft (Harry Morgan) llegan a un pequeño pueblecito de Nevada, donde nunca pasa nada. De pronto todos los hombres del pueblo se reúnen al enterarse que uno de los hombres mas respetados del pueblo, Larry Kinkaid. Según una voz, ha sido asesinado con todo su ganado robado. Elevándose la temperatura, nadie puede creer en un juicio justo, pero sin ni siquiera tratar de comprobar los hechos, varios de los hombres mas respetados por la comunidad – e incluyendo a una mujer – deciden, sin ni siquiera pedirle permiso al sheriff para que el futuro linchamiento sea legal, colgar a los responsables. Y gracias por el chismerio, los han encontrado en Ox- Bow, ya a la madrugada. Tres hombres, un mexicano (Anthony Queen), un anciano y un joven vaquero (Dana Andrews). Las interrogaciones no hacen sino empezar y las horas se cuentan para que sean colgados sin piedad a pesar de que el aura mas incomodo se torne cuando Carter y Croft entre otros se impongan en la decisión de las personas mas respetadas del pueblo.

THE OX-BOW INCIDENT, a pesar de que no he visto ningún otro Western, tiene todas las más atípicas figuras del Western popular. Hay disparos para ser seguros, pero esta corta (Apenas dura 70 minutos) adaptación se centra, mayormente en un solo espacio, en una visión sociológica impresionante sobre la justicia y sus peligros de ser tomada por las propias manos. William A. Wellman, director que trajo joyas como THE PUBLIC ENEMY, retrata de una forma fría y con gran honestidad, la conciencia de todos los personajes. La sed de venganza de la multitud, de la varonil Jenny Grier (Jane Darwell) ó de la crueldad y conservatismo del Major Tetley; el miedo incesante de los tres enjuiciados (Dana Andrews es genial), la imparcialidad de algunos en su rostro, la trivialidad y confusión de Carter y Croft en decidir que esta bien sin necesidad de mirar a los demás, la distante mirada y preocupación espiritual de Sparks (Leigh Whipper) y finalmente, el inocente, reservado y misterioso Gerald Tetley, hijo del Major y que ha sido obligado por su padre para poder, por fin, ser un hombre.

THE OX-BOW INCIDENT es definitivamente un clásico sobre la conciencia. Aunque ya obras maestras habían hablado de las consecuencias de la mentalidad “mob” como por ejemplo FURIA de Fritz Lang (Película maravillosa), este film desarrolla una seca, dura y realista pero atmosférica visión de la muerte, del inmenso poder que tenemos en nuestras manos sobre ella y que siempre, en vez de hacer todo lo posible por mantenerle respeto, ansiamos siempre tener la razón sobre encima de cualquier cosa. Y todo esto con unos personajes que resaltan diferentes características que traducen la humanidad del tema a un nivel maravilloso: La soledad de Carter (Me encanto que la historia de amor que se pudo haber desarrollado fue limitada a tan solo unos diálogos y a unas miradas de menos de 5 minutos, la cual, incluso nos hace pensar en mucho mas de lo que nos dan), el orgullo del Major Tetley, la supuesta femineidad de Gerald Tetley que despuntan en dos temas claves en el film: La sexualidad y la religión. La primera totalmente traducida en la timidez y misterio del hijo de Tetley. La versión del hombre de la que quizá Jenny Grier sea una major persona para el papel. Y luego, al visión de la muerte y de la justicia vistas por la tradición católica, elemento importante que nos hace titilar cada vez que vemos a los tres enjuiciados, esperando al amanecer para ser ahorcados.

Esta es una película tremenda. Es una visión extraordinaria sobre la muerte, la vida y la conciencia a la que los seres humanos somos predispuestos en nuestra cotidianidad. THE OX-BOW INCIDENT es una película magistral y universal y estoy tan contento con mi primer Western, que espero que vengan muchos mas en los años que vienen, sin importar que THE OX-BOW ya es, para mi, uno de los grandes Westerns del siglo XX.

NOTA: A pesar de que hay algunos errores en la edición (Aunque muy pocos, como 1 ó 2), esta película, que estuvo nominada a Mejor Película de 1943, perdió frente a CASABLANCA de Michael Curtiz. Sinceramente, sin ser pretenciosos, THE OX-BOW INCIDENT es una película mil veces superior. Definitivamente, pueden ver que la Academia a veces se equivoca. ¿O son solo mis malos gustos?

THE OX-BOW INCIDENT – Dirigida por William A. Wellman – Escrita por Lamar Trotti basado en la novela de Walter Van Tilburg Clark – Reparto: Henry Fonda (Gil Carter), Dana Andrews (Donald), Harry Morgan (Art), William Eythe (Gerald Tetley), Anthony Queen (Juan Martinez), Frank Conroy (Maj. Tetley), Jane Darwell (Jenny Grier), Leigh Whipper (Sparks) – Producida por Lamar Trotti para la 20th Centuru Fox. Estados Unidos, 1943. Blanco y Negro. Ingles. 73 Minutos.

Mi Testimonio – REPO! THE GENETIC OPERA de Darren Lynn Bousman

REPO! es una opera rock diseñada como un comic gótico cinematográfico con altísimas dosis de gore. Por supuesto, con elementos como estos, es indudable que el filme encuentra y se hace propia para su audiencia. Es dirigida por Darren Lynn Bousman, quien ha dirigido tres secuelas de SAW para Lions Gate y uno puede darse cuenta de esas cosas; esta película tiene las mismas dosis de sangre (y órganos, muchos órganos) que los fans de la ultima década han chupado con tanto apego.

La historia es pura ficción futurista pero con la conciencia de una opera rock. En un futuro no muy lejano, la vida no es tan fácil. La deficiencia de órganos esta causando un gran daño a la humanidad. Geneco es una compañía exitosa que vende órganos en cómodas cuotas. La gente ve esto una salida fácil para poder seguir viviendo, pero las cuentas deben pagarse y si no hay dinero los órganos deben ser devueltos pero de la ajusticiada manera en que el Repo Man quiera. Geneco tiene un gran poder y detrás de su éxito se esconde un terrible secreto y la pobre Shilo, una adolescente enferma debe acceder a la respuesta correcta antes de que sea demasiado tarde y en la ópera genética, ha de responder todas las preguntas.

Como ya había dicho, REPO! esta introducido como un comic gótico viviente que trae a consecuencia un mundo futurista de prototipitos héroes y villanos. Como bien sabemos (y se nos es afirmado), la película también es una ópera rock. Es decir el argumento esta construido por canciones y REPO! en realidad tiene el potencial para ser un gran musical. Pero creo que la balanza se desequilibra y que la película funcionaria más como una película de única ciencia ficción y no como un musical. Hay canciones maravillosas (Chase the morning, Seventeen, We Started this Opera y Chromaggia son algunas de mis favoritas) pero la película en muchos momentos no sabe como mantener el ritmo musical y argumentativo a pesar de que creo que su mayor problema es la insoportable edición en algunas canciones. Mientras que en números como Chromaggia o Chase the Morning Lynn Bousman nos deja ver … bien, en muchos otros como “Zydrate Anatomy” o “Mark it Up”, tras insoportables muy acercados planos, la edición no deja al ojo ni esforzarse un poquito. Aunque este ultimo fenómeno no es culpa de Bousman, el musical cada vez se ha ido elevando mas al video clip MTV en vez de integrarla cinematográficamente con el ritmo de la música y, lo que es mas importante, la acción. Digamos, más bien, que la culpa es de Paris Hilton.

Sin embargo, la película tiene una gran conciencia típica de la opera rock. La conciencia es lo que hace que grandes operas rock como TOMMY de The Who y la más grande de todas, THE WALL de Pink Floyd, sean efectivas por su preocupación social, cultural e incluso, intima. REPO!, como dije, no se desarrolla muy bien en la parte musical, sin embaro, en el otro lado de la balanza, la película es lista, estratégica e increíblemente bien planteada. Sin miedo (Bueno, solo un poco) me atreveria a decir que cruza las mismas fronteras de Fritz Lang es su maravillosa METROPOLIS y ahí, el argumento del film si da a buen punto. Los organos ya tienen precio, y, seguro de que esto no es solo una excusa gore (Que funciona muy bien ya de esta forma), es que el tema de la venta de órganos esta excelentemente planteada y critica sin pretensiones un tema que muy poco se toca, elevándolo a un nivel pulp-gótico casi angelical y siniestro a la vez. La película es perfecta en ese aspecto.

No me quede con las expectativas vacías en el sentido musical, por supuesto. Bousman obtiene una gran ayuda de una preciosa cantante de opera llamada Sarah Brightman. ¿Quién mas puede ser tan ideal que la esposa/musa de Andrew Lloyd Weber, compositor que ha traído tantos musicales/operas rock como JESUCRISTO SUPERESTRELLA, WHISTLE DOWN THE WIND, CATS, EVITA ó EL FANTASMA DE LA ÓPERA (Como dato curioso, esta ultima fue inspirada y dedicada como regalo de Weber a su esposa Brightman y que la cual participo en la puesta de teatro original junto a Michael Crawford, así, que los papeles góticos ya le venían desde antes)? Su presencia es única y revitalizante para un género que la necesita a gritos.

Lo ultimo que me deja una incógnita es el porque muchos consideran a esta como el ROCKY HORROR de esta generación. REPO! claramente alcanzara un status de culto altísimo en el futuro, pero ambas son propuestas exageradamente distintas, una mucho mejor que la otra. Aunque claro, no deberían confiar en la palabra de alguien que defiende películas como SHOCK TREATMENT y la denomina como uno de los mejores musicales del siglo XX. A la final, mi testimonio es este: REPO! es una muy buena película futurista que equilibra su poca fuerza musical en una perfecta odisea de órganos y sangre – con un Repo Man, villano, héroe o antihéroe pero con un look espectacular. Sin embargo no es la película de culto de nuestra década. Ese titulo, ya que estamos en el 2009, se lo dejo, complacido, a PLANET TERROR.

REPO! THE GENETIC OPERA – Dirigida por Darren Lynn Bousman – Escrita por Darren Smyth y Terrance Zdunich – Reparto: Alexa Vega (Shylo), Anthony Head (Repo), Sarah Brightman (Blind Mag), Paul Sorvino (Rotti Largo) – Producida por Mark Burg, Daniel Jason Heffner, Oren Koules y Carl Mazzocone para Lions Gate Films y Twisted Pictures. Estados Unidos, 2008. Color. Ingles. 98 Minutos.

¡Y se nos fue Karl Malden!

KARL MALDEN
1912 - 2009

Sin que nos hayamos recuperado totalmente de las muertes de Michael Jackson y Farrah Fawcett, hoy me tope con una triste noticia. El grandioso actor Norteamericano Kart Malden murió hoy, a los 97 años de edad.

Junto al elenco de A STREETCAR NAMED DESIRE

Junto a Marlon Brando y Eva Maria Saint en ON THE WATEFRONT

Este genial actor nació en Chicago, Illinois en 1912 y se consagro como estrella al volverse amigo del director de teatro y cine Elia Kazan. Malden hizo de Mitch en la versión original de A STREETCAR NAMED DESIRE así como lo haría en la versión cinematográfica del mismo Kazan en 1951. Malden también hizo parte de otras películas de Kazan como ON THE WATERFRONT (La Ley del Silencio, 1954) y en la magistral, maliciosa y descarada BABY DOLL junto a Caroll Baker y Eli Wallach. Antes de protagonizar junto a Michael Douglas la famosa serie de policías LAS CALLES DE SAN FRANCISCO, Malden interpretaría a un ciego vidente en el juguetón e interesante giallo de Dario Argento, EL GATO DE LAS NUEVE COLAS junto a James Franciscus. Entre otras de sus películas podemos encontrarlo acreditado la adaptación del musical de Stephen Sondheim GYPSY dirigida por Mervyn Le Roy y como el General Omar N. Bradley en PATTON, junto a George C. Scott.

Junto a Carroll Baker en la maravillosa BABY DOLL

Junto a Rosalind Russell y Natalie Wood en GYPSY

Como un ciego curioso en EL GATO DE LAS NUEVE COLAS de Dario Argento

Malden murió hoy, el 1 de Julio del 2009 en Los Angeles, California a los 97 años.

Supongo que ya necesitaba descansar, aunque siempre, ya sea seguro por parte mía, nunca será olvidado por el gran artista y el gran ser humano que siempre fue.

PAZ A UN GRANDE

La fiesta recién empieza – CHILDREN SHOULDN´T PLAY WITH DEAD THINGS de Bob Clark

CHILDREN SHOULDN´T PLAY WITH DEAD THINGS debe ser la película más rara y teatral que he visto cuando hablamos de nuestros queridos Zombies en el cine e incluso es claramente difícil de comparar con otros trabajos – su objetivo dista al otro extremo de los intereses sociales de Romero pero también dista de cualquier sub-producto italiano de Bruno Mattei (Si han visto algo de este señor tal vez me entiendan). Este es el debut de un director muy afamado, prolífico y respetado. El fallecido Bob Clark (Acá acreditado como Benjamin) que dirigió películas tan famosas como BLACK CHRISTMAS, la bien amada familiar A CHRISTMAS STORY y la comedia juvenil, sexual muy popular PORKYS.

CHILDREN empieza con una entrada misteriosa. Un barco llega a una isla que alberga, según nos cuentan un gigantesco cementerio cuidado por una pequeña casa perdida entre el bosque. Con la niebla en los zapatos, Alan, un director de teatro y su grupo de actores se bajan del barco y caminan por el solitario bosque. Alan esta acompañado de Anya, una chica rara, con actitudes de niña que tiene una rara, abierta mirada. Una pareja de enamorados, un gordo gracioso y una experimentada sarcástica. Alan los ha convencido de venir para pode recitar un acto diabólico para poder revivir a los muertos del gigantesco cementerio. Los otros, creyéndole como loco, solo le hacen caso siguiéndole para que este no les despida de sus trabajos – Aunque en el caso de Anya, a ella poco le importa… cualquier cosa -. Sin obtener resultados, Alan decide llevarse el cuerpo de un selecto muerto. Al llegara a la casa Alan coge las viejas cortinas blancas y lo transforma en un improvisado vestido de novia. Alan y el cuerpo tienen una esplendorosa boda a medianoche. Ya, con los grupos con los nervios afuera y con Anya gritando como una loca pidiendo que respeten al cuerpo del muerto, Alan decide llevarse a su nuevo amigo a su alcoba, recostándole en la cama y este, al lado de él, descansando como marido y “cuerpo”. El grupo esta cansado y quiere irse de la isla, pero parece que la maldición no perdió su efecto después de todo y ahora tienen que enfrentarse con una masa hambrienta de muertos vivientes.

¿Por qué -me pregunto yo- una película con unos elementos tan raros que se distraen de lo básico y que intentan plasmar un estilo y objetivo diferente al filme de zombie promedio es tan querido por tan pocos? Lo digo, porque muchos, incluso amantes del autor, detestan esta película. Sus razones van desde un Alan insoportable hasta (Y creo que es lo que mas incita a este fenómeno) su primer largo acto, en donde se centran en mostrarnos las intenciones de los personajes y la (rara) interacción entre ellos. Ese acto incluye básicamente todo lo que acabe de describir lo que lleva inmediatamente al ultimo segundo acto del film que es lo que muchos fans esperan ver a los diez minutos en una típica película de zombies. La película tiene un dialogo extenso y es, de hecho, lo que acarrea el 80% de toda la acción de la película. Y con este dato, espero que, humildes lectores, humildes amantes del horror, no me lo tomen como un defecto. CHILDREN es una película rara por eso. Es una película que intenta ser todo menos el prototipo de una película Romeriaza y sin embargo se interesa en mostrarnos un escenario y unos extravagantes personajes más que a los mismos muertos vivos. A pesar de que muchos piensen que ese es el objetivo de cualquier zombie film, puede que este caiga en la categoría de ser un divertido film de muchas mas cosas. Este, y por eso es que me gusto tanto, tiene, bajo un fondo teatral, el ambiente de un mundo real como cualquiera pero luego de ver a Alan y su fijación necrofilia y a Anya, con sus interesantes ojos y su interesante modo de ver el mundo. Es un experimento que tarta algo nuevo y que lo hace con éxito. Y, cuando llega el ataque zombie, los personajes son totalmente creíbles en cuanto a lo que les esta pasando. Y aquí, los zombies son incluso interesantes. Con el maquillaje del mismo Alan Ormsby, los muertos caminan rápidamente y no pierden una sutileza humana. Tienen dientes feos pero tienen expresiones faciales interesantes y este elemento, en un momento de hilaridad tremendo ya en el ataque final de los últimos sobrevivientes, la hacen, incluso una adición igual de extravagante en la galería de las actitudes zombies (Descartando por supuesto a films como DEAD ALIVE de Peter Jackson o la comedia SHAUN OF THE DEAD – Que, de por si, están todavía muy lejos de idearse, aunque el Jackson noventero va mucho por esa onda).

CHILDREN, con su elenco y con los pocos recursos técnicos dan la exacta sensación que también presencie con THE EVIL DEAD de Sam Raimi. Estas películas tienen una sensación de realización familiar, de una originalidad de amistad. Es una película sencilla hecha entre amigos, lo cual la hace sentir mucho mejor ya que no es un producto de intereses o de explotación, es un trabajo de grupo, de un grupo que se toma en serio los problemas de la filmación cinematográfica y lo afrontan. Es exactamente el mismo caso de las dos primeras películas que Sam Raimi hizo en su vida. CHILDREN, además de tener un titulo espectacular, es una de las películas de horror mas extrañas que haya visto. Extrañas, más que todos, para el zombie convencional. Es una imaginaria, deliciosa película de zombies que se preocupa por la despreocupación, haciendo un trabajo serio. Tiene una originalidad teatral exquisita pero, a la vez, esa originalidad esta impregnada de una psicotrópico aire de locura y extravagancia que se disuelve en el argumento con unos personajes que hacen lo que haríamos cualquiera de nosotros en un parque en nuestra niñez. También nos enseña algo muy valioso. Nosotros, y parece que es algo que queda impregnado en el cine de Clark, no dejamos de ser niños. Alan, Anya y los otros dementes actores juegan a revivir muertos tal como su fuera un juego de niños y ahí es donde reside su encanto. Y a nosotros, que tanto nos encantaba jugar con las palas en la arenera, montarnos al columpio o, en el caso de Alan, revivir muertos en un cementerio a medianoche. Es una obra demente, divertida – si tal vez no infantil por tanta tripa, si tiene ese aire juvenil que tanto caracteriza a las obras de Clark y que aquí, se destapa más que nunca. CHILDREN es una maravillosa, extravagante, muy dialogada, juvenil película de Zombies. Y por eso me encanta.

NOTA: Después de ver esta película, no hay mejor compañera para un double feature que el ZOMBIE de Lucio Fulci. ¡Tomen mi palabra!

VEAN EL TRAILER AQUÍ ... Este mismo nada mas indica muchas cosas a las que me refiero.

CHILDREN SHOULDN´T PLAY WITH DEAD THINGS (Los Niños no deberían jugar con cosas muertas) – Dirigida por Benjamín Clark (1939-2007) – Escrita por Benjamin Clark y Alan Ormsby – Reparto: Alan Ormsby (Alan), Anya Ormsby (Anya), Valerie Mamches (Val), Jeff Gillen (Jeff), Paul Cronin (Paul), Jane Daly (Terry), Roy Engleman (Roy) – Producida por Bob Clark y Gary Goch. Estados Unidos, 1973. Color. Ingles. 75 Minutos.

¿Qué es peor que una imitación de Judy Garland? - THE BOYS IN THE BAND de William Friedkin

Eres un hombre triste y patético. Eres un homosexual y no quieres serlo. Pero no hay nada que puedas hacer para cambiarlo. No las oraciones a tu Dios. No los análisis que puedas comprar en todos estos años que te queden por vivir. Tu bien, tal vez algún día, podrás conocer una vida heterosexual, si lo quieres tan desesperadamente. Si lo persigues con el fervor de tu anhelo. Pero siempre serás homosexual a la vez. Siempre Michael. Hasta el día en que mueras.

Esta es la confesión del cumpleañero Harold al finalizar con el devastador “juego del telefono”. Dirigido a Michael. Un hombre gay, católico, de mediana edad quien admira, destrozado, la fuerte lluvia que sucede en el otro lado de la puerta. Al todos abandonar el apartamento, como bien el director William, Friedkin ha confesado, decide darle el único punto de vista subjetivo de la cámara a nuestro personaje, con la vista nublada y las lagrimas en los ojos, caen en el piso y, agarrándose de su compañero Donald del brazo, temiendo que se vaya para siempre grita con desesperación ¡No lo lograre! … ¡No lo lograre!

Esta, una de las más efectivas, de muchas de las escenas de THE BOYS IN THE BAND, desnuda a Michael en su totalidad. Entendemos lo distante, arrogante y neurótico que fue. Es un católico que vive con constante culpa. Que va a misa y que luego sale a pecar para volver a sentir la pena. Es una loca patética que se castiga a si misma sin piedad y sin alguna continua esperanza de cambiar. Esto es THE BOYS IN THE BAND.

Antes de que el director William Friedkin estrenara su reconocida obra de posesiones demoníacas que dio vuelta al mundo con THE EXORCIST, ya había levantado gran polémica con lo que probablemente es, por el momento, una película todavía oscura para, incluso seguidores de la famosa obra de horror o de la película de acción THE FRENCH CONNECTION, pero que para muchos homosexuales en esa época y aquellos tengan memoria en la actualidad de la época, fue una desafiante obra maestra que, por primera vez en la historia del cine había sido capaz de confrontar el tema de la homosexualidad, no como una enfermedad o como un problema, sino como un modo de vida. THE BOYS IN THE BAND relata, con inteligencia, audacia y sarcasmo, la noche de un grupo de nueves hombres. Ocho son gays, uno dice que no lo es. La fiesta esta organizada por Michael (Kenneth Nelson – Muchos lo reconocerán en un pequeño papel como Bill en HELLRAISER de Clive Barker), quien ha organizado su “sitiecito”. Donald, Hank, Larry, Bernard y el afeminado Emory son invitados a celebrarle una fiesta sorpresa al viejo Harold a quien, tienen de regalo, no solo una grandiosa comida, sino un tejano que Emory mismo ha escogido de la calle. Sin embargo, en la fiesta llega la desprevenida aparición de Alan, un antiguo compañero de Michael que ya se encuentra felizmente casado pero que necesita desesperadamente hablar con él. De repente, las cosas se calientan cuando, al hablar y hablar, el afeminado Emory encara al conservatismo de Alan. Pero después de un baile y una buena comida, la tormenta se acrecienta. Y Michael, tan macabro, católico y controlador decide encararlos a todos encerrándolos y obligándolos a jugar “El Juego del Teléfono”.

THE BOYS IN THE BAND fue la tercera película dirigida por William Friedkin, Matt Crowley apenas había escrito la obra de teatro (Inspirando el titulo basado en una escena entre James Mason y Judy Garland en A STAR IS BORN - aunque dice que lo escogió sin querer) y la había puesto en Broadway undeground, después de ver la adaptación de Friedkin de THE BIRTHDAY PARTY de Harold Pinter, Crowley decidió mandarle el guión a Friedkin, quien, el joven, quedo totalmente maravillado por el sorprendente trabajo de los diálogos – a la verdadera altura de ALL ABOUT EVE (Y ese es un gran honor que pocas películas han podido alcanzar). Y Crowley dice, complacido, que Friedkin acepto un muy duro trabajo que realizo con grandeza.

No solo porque su originalidad viene del teatro, THE BOYS IN THE BAND podrá parecer un poco “habladita” para algunos… y aunque preserva su herencia teatral, Friedkin le otorga una movilidad impresionante, acarreada con los maravillosos personajes y las increíbles líneas. Pero, introduciéndonos en el tema que se convoca, la obra de Crowley/Friedkin es más que maravillosa. Nos muestra, con una sensible hilaridad pero, principalmente, con sencilla honestidad y humanidad, una noche de la vida de estos hombres, cada uno diferente. Cada uno pecador. Cada uno con gustos diferentes. Unos más tímidos que otros. Otros completamente festivos y alegres. Otros totalmente arrogantes. Otros totalmente abstractos -El personaje de Michael, sin embargo llega al corazón, sin importar lo arrogante y equivocado que podamos creerle y sentirle -. Lo más maravilloso de esta obra es que supo traducir las problemáticas de los homosexuales, no como un tema medico, de investigación ó de explotación. Friedkin y Crowley crearon personajes netamente humanos que fueron una contemplación de más de un hombre en una época que hasta ahora se estaba encontrando así misma. Los tiempos no eran fáciles. La homosexualidad era tratada como una enfermedad e incluso penalizada. El resultado final es, hasta el día de hoy, una maravillosa película que no envejece ni un halo a pesar de todas las cosas que han pasado en estos más de 30 años. Porque es una traducción de una sociedad torturada. De un problema humano. De una retórica, que a pesar de la mayor aceptación de muchos, sigue siendo un tema sensible en el obligo del mundo.

Lo maravilloso es que todos y cada uno de los personajes son más que identificables. Sufrir con ellos es inevitable e incluso, así como causo efecto en muchos hombres, guardarlos en la memoria de su vida. Por eso, finalmente tuve una fijación con Michael y me he enamorado de él. No porque pudiera ser el tipo de persona con la que quisiera estar, sino porque por medio de él, entendí, no solo el objetivo vital de esta película, entendí el verdadero conflicto entre la sociedad y el hombre homosexual. Vivimos en un mundo de alienados, de alienados enamorados, de hombres que “consecuencian” su propia alienación. Por eso Michael sigue en las mismas, Crowley no apetece por darle a un cambio en su personalidad, ni siquiera una esperanza. Y no porque quiera ser pesimista y malvado con su creación, sino porque Michael mismo a elegido seguir su camino. Michael no es la prueba de que THE BOYS IN THE BAND es una obra conformista…es una obra realista sobre un mundo que se conforma.

Y para los que querían saber la respuesta a la pregunta del subtitulo. Es Bette Davis.

THE BOYS IN THE BAND – Dirigida por William Friedkin – Escrita por Mart Crwoley basado en su obra de teatro – Reparto: Kenneth Nelson (Michael), Frederick Combs (Donald), Cliff Gorman (Emory), Laurence Luckinbill (Hank), Keith Prentice (Larry), Peter White (Alan), Reuben Greene (Bernard), Robertb La Tourneux (Cowboy), Leonard Frey (Harold) – Producida por Mart Crowley para Leo Productions y Cinema Centres. Estados Unidos, 1970. Technicolor. Ingles. 118 Minutos.

Solo tu puedes prevenir incendios forestales – SAILOR IN THE WILD de William Higgins

No se si, así como DEEP THROAT obtuvo el titulo del “Ben-Hur del Porno”, el SAILOR IN THE WILD pueda ser llamado el “Deep Throat del porno gay”. Tal vez sea algo retórico. No es porque sea gay no quiere decir que no pueda obtener un titulo tan grande como lo sería BEN-HUR (Supongo, por supuesto, que el famoso épico de William Wyler), sino que, por cuestiones cronológicas, la popularidad (Es decir, la heterosexualidad convencional) y la controversial importancia que obtuvo el famoso producto de Gerard Damiano en los años 70s – de la cual habremos de darle cabida aquí en algún momento -, me parece que el titulo no solo es apropiado, sino que le da justificación a la existencia de este pequeño articulo.

Retomemos los primeros tres títulos que he mencionado. Ahora me han dado ganas de olvidarme de lo cronológico, de la popularidad, la controversia y la heterosexualidad convencional. Practiquemos algo de matemática: Si DEEP THROAT es considerado el BEN-HUR del Porno y si al final he decidió otorgarle el titulo a SAILOR IN THE WILD de ser el DEEP THROAT del porno gay. Entonces SAILOR IN THE WILD es definitivamente el BEN-HUR de algo. Finalmente, mi ejercicio de lógica matemática parecería haber tenido una falla. No la tiene. Solamente halle que si, la sustancia intencional de mi articulo es elevar a SAILOR IN THE WILD a la importancia de genero de DEEP THROAT supongo que, para que sea un resultado matemático autentico, sencillamente deberé objetar la palabra “gay” de la palabra “porno”. Finalmente, consecuente con el ejercicio, SAILOR IN THE WILD es el BEN-HUR del porno. Después de esta retórica, decidí que el problema matemático tenía poca importancia y que aún así me complicaba mucho. Así que finalmente decidió ponerle de titulo a este articulo “Solo tu puedes prevenir incendios forestales”, basado en la camisa que el marinero Brian Thompson le regala al guardabosques Bill Henson.

Bien. Ya solucionada la atípica retórica antes planteada, podemos entrar, sin retórica, al tema. SAILOR IN THE WILD es, (Si la antigua retórica no les dijo nada al fin y al cabo) una de las películas pornográficas gay mas famosas del sub-genero (Interesante en cuantas cosas puede dividirse un genero como este, supongo) pero no por ser la primera y la mas controversial. Al igual que la pornografía heterosexual, los años 70s también estuvo plagada de una alternativa. Recordemos que una década antes, la contracultura (Nada mas acabamos de pasar a Mayo del 68´) abrió las puertas a que la sexualidad encontrara nuevos rumbos de expresión – evitando toda clase de blue movies prohibidas de décadas anteriores – y la cultura gay, mas underground que nunca, no podía quedarse atrás. Estrellas como el recién fallecido Jack Wrangler (Una de sus películas, NAVY BLUE, es una bizarrada disco muy especial), sería una de los varios iconos y mitos que se abrirían poco a poco (Espero no empezar otra comparación entre Linda Lovelace y Jack Wrangler, porque ahí puedo hablar de interesantes pero atípicas diferencias con el tema respectivo).

El director William Higgins fue el primer nombre que salio a relucir como maestro del subgénero. Inclusive muchas de sus películas, que siguen siendo favoritas de video clubs, tienen una marca que las identifica. Podria decirse, que Higgins puede ser demonizado como una especie de autor, pero cuando la pornografía es un negocio en busca de continuo lucro, puedo dudar en poder darle ese honor a Higgins. A pesar de todo, el nombre llama al pionero y hay toques de dirección que son imposibles de opacar: Los sitios soleados, bien iluminados, los close-ups exagerados y la cámara lenta en el climax final de cada escena. SAILOR IN THE WILD tiene una trama peculiar pero típica de la nostalgia ochentera. Un joven marinero (Brian Thompson) anda paseando por el bosque. Se cruza con un alto, musculoso y apuesto guardabosques (Bill Henson). En el día, ambos, creyendo que van por caminos separados, el guardabosques baja al río y juega desnudo con su cuerpo mientras que el marinero le observa. Luego, el marinero camina y decide bajar al río hacer exactamente lo mismo. Luego se cruza con unos amigos que lo dejan quedarse en su cabaña. Los tres hacen su deber. Luego, el guardabosques, preparado para un picnic, va con el marinero a obtener un masaje y juegan los dos a la sombra de las gigantes rocas de la montaña. Después el marinero sigue su camino y tiene todavía más sexo, aunque el resto de la película también se centra en otros personajes.

Es interesante, primero, recordar la primera discusión del principio en donde obtuvimos el termino “heterosexualidad convencional”. Todos los personajes, de lo poco en lo que se han preocupado en construir, es en denotar que todos, absolutamente todos son heterosexuales. Actúan como buddies y, cuando llegan a tener sexo o, son inducido a ello (De hecho, en la escena de la cabaña, la primera reacción del marinero es de asco, pero luego este teniendo sexo con los otros dos tipos – no hay que quejarse por supuesto) o cuando van a tenerlo, lo hacen por curiosidad. La risa es inevitable, porque es impensable que ni en los mejores de los mundos un hombre correctamente heterosexual pudiera comportarse así - sea por curiosidad o por gusto. El porque los personajes tienen que tener esas características no son más que consecuencias de lo convencional. Es pura representación de lo correcto (Heterosexualidad) y como es corrompida por un acto que debe mantenerse en las sombras (Homosexualidad). Aunque ahora la curiosidad en la realidad es un prototipo gastado de moda, la curiosidad en la pornografía gay y en esta misma película, no son solo sino la representación de la diferencia que alterna al conservatismo vil de la época. Es una actitud netamente underground y con razón.

De lo demás de la película no puedo decir mucho de todos modos. El protagonista Thompson es joven, no es musculoso y a pesar de eso desemboca encanto y supongo que lo mismo pasa con Henson quien es un hunky sensual que atraerá a cualquier fetichista por los uniformes y, los 40 primeros minutos (Tal vez evitando el sexo en la cabaña) tienen un encanto, sureño y de nostálgicos ochentas con un aire seductor que, incluso me impresiono. Además de que la acción en cuestión entre Thompson y Henson – a pesar de que este ultimo tiene un acento que lo hace parecer en realidad como un idiota y pretencioso – tienen algo muy extraño. Higgins trata en la escena de recrear una tensión casi realista, quitando la música, dejando el sonido del bosque y dejando que los personajes digan cosas que un personaje estereotipado de un porno, supongo, diría. Son momentos de incluso, entretenimiento, burdo, barato, voyerista y con animo de lucro, pero a la vez diferente e, incluso, subyacente al erotismo. Sin embargo después el guarda bosques se va y el marinero lo olvida y empieza acostarse con una cantidad de hombres supuestamente heterosexuales. La película, como tiene que ser la pornografía, no le interesa ni la trama, ni sus personajes. Se vuelve repetitiva y aburrida.

SAILOR IN THE WILD sin embargo, merece ser recordada más allá de las demás. Hay múltiples clásicos de este subgénero como la aburrida, aberrada CLASS REUNION (Que tiene a una orgía continua de 1 Hora) ó la famosa BIG GUNS también de Higgins, ó los clásicos con estrellas como Jeff Stryker ó Aiden Shaw (Poeta gigolo, simbolo sexual à la Wrangler que se haria conocer en los 90s) o harían para estudios famosos como Falcon o para otros renombrados directores como Kristen Bjorn y Steve Scarborough. Sin embargo aca entramos a otra área, la del video, que ya se pordebajea lo cinematográfico y realza mas las intenciones económicas del negocio. Pero, así como en DEEP THROAT pueden haber casos paralelos con el mercado heterosexual, SAILOR IN THE WILD se ha convertido, incluso en el día de hoy, en uno de los pornos favoritos del mundo rosa y, se quiera o no, el mismo producto tiene connotaciones históricas importantes para la misma cultura – y, por mi, adorada nostalgia, la cual es básicamente mi propio interés por este mismo titulo- a pesar de que sea un producto fraudelesco y burdo como todo lo demás. Ahí si, hay que aceptarlo. DEEP THROAT y SAILOR IN THE WILD comparten esa misma característica. Y dudo que la obra de Wyler tenga cabida en ese montón.

NOTA: Según la IMDB, el titulo, aunque tuvo seguramente mayor resonancia en el mundo del video, la película obtuvo una X en Certificación tanto en Estados Unidos como en Australia, lo cual quiere decir que fue estrenada teatralmente en estos dos países el respectivo año. Ya una costumbre extraña incluso ya cuando aparecerían los primeros productos Falcon y empezaría al video manía pre-AIDS.

Del jueves 25 de junio hasta el lunes 29 de junio, LOS 2 HUMANOS hará un recorrido a algunas cintas importantes del cine LGBT llevando las vísperas al famoso día del orgullo Gay, que, aunque no apoyo por pretencioso, he de ser justamente anímico a la festividad.

SAILOR IN THE WILD – Dirigida por William Higgins – Reparto: Brian Thompson, Bill Henson, Leo Ford, Rick Donovan. Producida por Catalina. Estados Unidos, 1983. Color. Ingles. 100 Minutos.

Los 70s han muerto… Los 80s van a ser algo totalmente maravilloso y diferente – CAN´T STOP THE MUSIC de Nancy Walker

A pesar de que CAN´T STOP THE MUSIC, el único musical que tuvo el placer de contar con la participación central de los Village People ha sido denominado como uno de los peores musicales jamás filmados (Tal vez, junto a XANADU ó STAYING ALIVE de Sylvester Stallone), jamás una película, a pesar de su campness, había profesado con tantea seguridad y cinismo sobre el futuro de su propia década. Como bien es sabido, los Village People fueron uno de los grandes pilares de la maravillosa música disco de los años 70s porque fueron capaces de frentear los estereotipos del popular macho man Norteamericano satirizándole con sus propias figuras, hicieron de la música disco y de San Francisco uno de los elementos con los que la cultura homosexual se pudiera identificar en los años 80s.

La idea era relatar una faux biografía de la banda teniendo a Valerie Perrine como una sensual, chica madura que ayuda a su amigo Steve Guttenberg (De COCOON, LOCADEMIA DE POLICIAS ó DINER) a impulsar su carrera musical como compositor disco. En su búsqueda de nuevos talentos que quieran interpretar su música, se encuentran, a medida que va avanzando la historia con cada uno de los integrantes de la banda para, finalmente llegar a un final de luces y colores que les llevara destinados a la fama segura como cantantes. Aunque la película dura dos horas, en la historia no pasa ABSOLUTAMENTE NADA que en realidad nos llegue a importar. Es, por supuesto, básicamente un producto filmada de una forma bonita y muy, pero muy ochentera. Sin embargo es aquí cuando se encuentra con una obra en la que poco se restriega su arte pero que, subsecuentemente, tiene mucho que ofrecer. No es que este diciendo que la película deje de ser mala por eso. Lo es y con ganas. Pero es una película que desde el principio no se toma en serio a si misma y que, además de ofrecer unos números musicales que van de los exagerado a lo pegajoso, es una profecía estética y muy significativa de lo que se aproximaba en la década.

La película esta tratada como si nadie fuera homosexual, que la verdad burdamente sea dicha. Pero, como debería pensarse, presenta el subtexto durante todo el metraje: Los atuendos, la letra de las canciones y, exactamente, números musicales como el de YMCA (Era un éxito que la banda no podía dejar de explotar en su única película). Hombres sudorosos, musculosos, ejerciendo la amistad y el amor por medio del ejercicio y la gimnasia, en coloridas coreografías musicales filmadas como por un calidoscopio. La homosexualidad todavía era presentada como un problema mental (Que pocas películas en los 70s se había atrevido a denunciar el tema con THE BOYS IN THE BAND de William Friedkin) y con lo que la contracultura se había atrevido hacer desde los años 60s, ni los mas conservadores podían evitarlo. Y con la música disco y héroes populares dentro la cultura como Jack Wrangler, hicieron que la libertad sexual explotara. La resonancia en los 80s seria incluso alta y esta película, con su estupida y barata magia Pop/Disco se atreve a profesar como seria la resonada cultura homosexual de los 90s. Los jeans, la actitud juvenil y llena de vida que sería detenida por la inminente llegada del SIDA. La profecía del personaje de Valerie Perrine se cumplen, “Los 80s van hacer algo maravilloso y diferente”. De el Muro de Berlín hasta la llegada del Virus.

Y también, esta el último halo vivo de la música Disco, porque, lo hubieran querido o no, los muertos 70s se lo llevaron consigo. El Pop ochenteno busco otras formas y abandono los movimientos de Tony Manero (En realidad, ese es intento fallido de Stallone con la secuela de SATURDAY NIGHT FEVER) y esta película es tal vez la única muestra cinematográfica del movimiento musical el cual tuvo gran oportunidad –y lo hizo – de abrirse como encantador y favorito (mió) subgénero de la década. CAN´T STOP THE MUSIC es un producto con maravillosos, pegajosos números musicales pero es una muestra perfecta de la cultura gay y del futuro de la década. CANT STOP THE MUSIC es una mala película, muy mala, pero quiéranlo o no, pero jamás un film había podido describir con tanta exactitud su década. Tal vez no en totalidad pero si en un buen comienzo. Y quiéranlo o no, positiva y negativamente, su profecía se cumplió y conduces de neón incluidas.

Del jueves 25 de junio hasta el lunes 29 de junio, LOS 2 HUMANOS hará un recorrido a algunas cintas importantes del cine LGBT llevando las vísperas al famoso día del orgullo Gay, que, aunque no apoyo por pretencioso, he de ser justamente anímico a la festividad.

CAN´T STOP THE MUSIC – Dirigida por Nancy Walker – Escrita por Allan Carr y Bronte Woodard – Reparto: The Village People, Valerie Perrine (Samantha), Steve Guttenberg (Jack Morell), Marilyn Sokol (Lulu), Barbara Rush (Norma), June Havoc (Helen Morell) – Producida por Alan Carr, Jacques Morali y Henri Belolo para EMI Films. Estados Unidos, 1980. Metrocolor. Ingles. 124 Minutos.

Quiero hablar de mi blog por un momento

¡PONGANME ATENCIÓN!

Bien. Solamente quiero comunicarles a mis lectores sobre algunas cosas que quiero reflexionar sobre el blog.

Primero, se que son muy pocos los lectores que tengo y sin embargo todos los artículos (Ahora principalmente reseñas de películas) lo hago con todo gusto para aquellos lectores dedicados a mi blog (A ellos y a los futuros gracias). Ahora, quiero solamente comunicar que mi objetivo con este blog es crear no solo una base de reseñas profundas sobre películas de todo tipo, sin discriminación alguna. Reseñas positivas o negativas. Mi idea sin embargo, es reeditar algunos artículos de los cuales me avergüenzo porque, a pesar de que ya llevo 120 películas comentadas puedo decir que solo la mitad de esos análisis están escritos decentemente. Ahora bien, a medida que vaya avanzando el blog y como no quiero eliminar los comentarios que algunos hayan hecho en post, haré una actualización al mes avisándolos de las reseñas re-escritas, hay muchas que merecen de nuevo artículos mejores, proyectados títulos como THE LAST HOUSE ON THE LEFT, THE PROWLER (Apenas mis primeras reseñas escritas para este blog en el 2007), FANNY & ALEXANDER, CANNIBAL HOLOCAUST (¡NO TE HAGAS ILUSIONES SIR!), 42Nd Street, SUSPIRIA, DEMONS… Etc… A la vez, estoy considerando linkear mis reseñas con los “External Reviews” de cada titulo reseñado en la IMDB. Sin embargo quiero pensarlo, porque no quiero que, por las imágenes, mi blog sea eliminado por una tonta regla de derechos cuando no estoy cobrando un peso por esto. Toca pensarlo.

Por otro lado. También quiero avisarles que, como les venia diciendo, este blog no es solo una base de datos de solo reseñas. También quiero y voy a empezar a publicar entrevistas, especiales, artículos temáticos, refelxiones entre otros eventos para mantener al blog como un espacio de cine con medios diversos de expresión al amor que le tengo a esta vaina. Estén atentos.

Espero me sigan en mi recorrido. Gracias por su atención y ahora los invito a que, los que no se han fijado en ello, se lean mi recién escrito articulo de IRREVÈRSIBLE de Gaspar Noé.

El tiempo lo destruye todo – IRRÉVERSIBLE de Gaspar Noé

Detesto las películas que creen que para ser realistas tienen que mostrar una crudeza exagerada que les permita dar una sensación al público para que así no sean olvidadas y puedan pasar a la categoría de obras maestras. Recordemos que la exageración no es realista, es sensacionalista. Contrario a lo que puedan estar pensando, IRREVERSIBLE, del Argentino, residente Francés, Gaspar Noé, me gusto mucho y aclaro como introducción que todas esas llanas características del cine de la “exageración del realismo” no se aplica a esta película. Es todo lo contrario. IRREVERSIBLE es una película que usa toda su violencia e impactantes, largas imágenes con un propósito que van mas allá del realismo. Su propósito es el tiempo. “EL TIEMPO LO DESTRUYE TODO” es el mensaje final de esta película y no esta allí anclado gratuitamente como una moraleja de un film “exageradamente realista”.

Bien. El mensaje del film es “EL TIEMPO LO DESTRUYE TODO”. IRREVERSIBLE es la historia de una pareja (Quienes también son en la vida real, Monica Belucci y Vincent Cassel) que van con un amigo (Albert Dupontel) a una fiesta un Sábado por la noche. Alex, la chica se pelea con el novio, Marcus. Alex baja por el subterráneo para coger un taxi pero de repente es violentada sexualmente. Marcus y su amigo, Pierre la ven minutos después con el rostro destrozado y van a buscar al culpable. Recorriendo Paris, a medianoche, buscan por el monstruo, llegando a un bar gay en donde busca desesperadamente al sujeto. En un ataque de ira empieza a golpear a quien cree es el culpable del sufrimiento de su mujer. Los lujuriosos, fetichistas le retienen, le rompen el brazo y uno de ellos se prepara para violarlo, pero Pierre, desesperado por ayudar a su amigo, coge un pesado extintor y da divina justicia sin saber la identidad del personaje – al igual, dejándolo irreconocible a nosotros el publico.

Bien. Espero que entiendan queridos lectores que no comento ningún crimen aquí. Esta es una película en donde los spoilers no importan (Menos uno, que escondido maquiavélicamente bien). La película ni siquiera es contada en la forma en la que se les digo. La estructura narrativa empieza por el final y termina por el principio. También la película esta filmada en Super 16 y una Minima (La cámara mas pequeña en el negocio) y Gaspar Noé hace mas piruetas de las que un Murnau de LA ULTIMA RISA o un Argento de SUSPIRIA hubieran podido imaginarse. Bien. Para continuar, ligo estos dos elementos que acabo de mencionar. La estructura narrativa tiene su objetivo y los movimientos de cámara son el lápiz que permite la existencia de física de esa estructura. Los dos elementos argumentativo – técnicos se complementan, una a la otra (Que maravilloso es el cine señores). Noé aplica en todos los sentidos con estos dos elementos a Alexandre Astruc. El lápiz-cámara permite avanzar, con sus desquiciados movimientos, los capítulos, uno por uno de un libro que estamos leyendo al revés. Ahora bien. Muchos se preguntaron si el objetivo de esa estructura tenia justificación alguna como lo hacia el misterio para MEMENTO (Christopher Nolan, 2000). Pude entenderse ese no entendimiento sin antes no devolverse a los limites de, ambos, historia – película. Esta es una película sobre el tiempo. Entonces, si. La historia esta contada al revés como una notación cronológica. Esa es su forma, pero no descuidemos su real objetivo. Noé es un cruel dios, como buen director de cine que es. El origen y justificación prima y final del aspecto narrativo es, que sencillamente, nuestros personajes ya tienen su destino marcado. Nada de lo que puedan decir los va a salvar de “la historia que se escribe con esperma y sangre”. El publico ve con disgusto las inacabables escenas de asesinato y violación para luego ver todo el pasado con respecto a esa persona. Ver a Alex, Marcus y Pierre discutir sobre el pasado, el presente y el futuro. Y a nosotros Noé, con el pedazo previo de metraje que ya hemos presenciado, nos regalado un maldito don. El de una malvada hechicera que sabe el futuro de sus personajes. La imagen, la pantalla, es una especie de oráculo que permite al que le presencia, darles a sus ojos el pedazo de vida futura a estos tres personajes. Nos sentimos sucios porque vemos a medida de que la película se desarrolla y el argumento vuelve a su inicio, las tranquilas vidas de estos Parisinos, tan occidentales y comunes, como muchos de nosotros. Y Noé hace que nos duela.

Finalmente IIRÉVERSIBLE es un ejercicio exitoso y doloroso que solo podía ejercerse en el séptimo arte. Es un film que no exagera, usa su realidad para evocar un mensaje a su público. Es una película que, mediante un ejercicio, claro no placentero, pero netamente didáctico, parte de la influencia del cine y del arte argumentativo. Ese que hace que nos perdamos en el tiempo. La preciosa toma final, principio de nuestra historia, al ritmo de la Séptima de Beethoven, entrega el objetivo a los ojos que acaban de presenciar el futuro de tres vidas. Es una maquina del tiempo que nos devuelve a donde deberíamos haber empezado. Nos devuelve al presente, pero no sin antes recordarnos un pedazo de nuestra historia. “La Historia se escribe con esperma y sangre”. Incluso, en estos últimos minutos vemos un póster del clásico de Kubrick, 2001: UNA ODISEA EN EL ESPACIO. Recuerdo que el mensaje de Kubrick también involucra los pasos del hombre a su civilización, de un presente y un futuro. Noé quiere hablar de exactamente de lo mismo, pero por medio del realismo. Y quiéranlo o no, Noé nos logra vernos inmersos en la suciedad que presenta, nos hace concientizarnos sobre las realidades, sobre el argumento de nuestra vida. Jamás el cine había hecho esto antes, por lo menos de esta forma tan, lo digo de nuevo, didáctica (Pero hay una comunicación mas cinematográfica que teatral que el acostumbrado William Castle hacia en los años 50s). Esta es una sencilla película que nos hace mirar el reloj y nos sitúa, no en un mundo totalmente nihilista, pero nos permite hacernos conscientes de nuestro tiempo y de que este mismo, es irreversible.

Lean este maravilloso y muy completo articulo sobre la teoria del Camera Stylo de Alexander Astruc aquí

IRREVÉRSIBLE – Escrita y Dirigida por Gaspar Noé – Reparto: Monica Belucci (Alex), Vincent Cassel (Marcus), Albert Dupontel (Pierre) – Producida por Christophe Rossignon para 120 Films, Studio Canal, Eskwad, Grandpierre, Les Cinémas de la Zone, Nord-Ouest Productions. Francia, 2002. Color. Frances, Ingles, Español, Italiano. 97 Minutos.