Depeche ... Silencio

Se que no tiene nada que ver
Y que hace rato no escribo en el blog por falta de tiempo
Por andar como bobo (Y con cosquillas en el estomago).



Pero solo quería decir
lo melancólico y esperanzado que estoy
porque Depeche Mode va a venir
y no hay plata
y cuando hubo, me la gaste.

Y NO ME CANSARE DE BAILARLO ... ¡¡¡THE MEANING OF LOVE!!!!

¿David Gahan? ... ¿Yo que culpa tengo de estar enamorado!

Y ese ultimo como un regalo ochentero para todos vosotros ... y para mi.

Arte y genitales - CALIGULA de Bob Guccione (¿?)

Cuando vi CALIGULA hace muchos años (Es decir estaba súper pollito), recuerdo que, aun viendo las escenas porno y las horribles torturas llenas de violencia, el film no me producía nada. Ni asco, mi miedo, ni discutible excitación, ni odio ni apego. Nada. El film acabo sin más ni menos y poco recordaba de él hasta el día de hoy que he podido volver a verla. CALIGULA es, otra, de esas películas que se suman a la “ola” de películas “controversiales”. A la hora de su estreno, por supuesto, a esa duración y con ese contenido, no era para menos. Pero ahora se ve risorio y ofuscado (Sin contar que es HOLOCAUSTO CANIBAL, para mi, la película mas controversial y asquerosa y mala de todos los tiempos) además por el simple hecho de que el factor de lo controversial no asegura su calidad.

El film trata (¡TRATA!) de contarnos el ascenso y descenso del corrupto emperador Romano “pequeñas boticas” Caligula (Interpretado pro un mecanijorezco Malcolm McDowell), de su romance incestuoso con su hermana Drusilla (La belleza, usual de Tinto Brass, Teresa Ann Savoy), de su casamiento con la una prostituta (Aquí la respetada actriz dramática Helen Mirren) y finalmente, el ambiente sexual, de decadencia y violencia que muchos autores y filósofos aseguraban en ese tiempo. La dirección, en primera instancia y como proyecto, estaba a nombre del director erótico Tinto Brass (Salon Kitty, Paprika), el guión a manos del celebrado escritor Gore Vidal y con las actuaciones adicionales de actores con clase como Peter O´Toole (Lawrence de Arabia), John Gielgud (Julio Cesar de Joseph L. Makiewicz), John Steiner (Tenebre de Dario Argento ó Schock de Mario Bava) y una breve aparición de Mirilla D´Angelo (La poetisa de INFERNO) y del apuesto Guido Mannari (Quien trabajo con Pasolini en una obra muy similar que discutiremos en unos instantes) . Además de Danilo Donati y la música de Paul Clemente contar con el diseño de producción de Y seguramente, a manos de estas personas hubiera salido una película maravillosa (Aunque algo desviada históricamente), que hubiera sobrevivido como un pequeño pero bien realizado espectáculo épico-erótico. ¿Cuál es el problema? Que Bob Guccione, dueño del imperio porno Penthouse fue el responsable de la producción. Tinto Brass ya tenía hecho su corte que duraba apenas 120 minutos. Guccione metió la mano como se le fue dando la gana y estreno ante le mundo una versión de 150 desagradables minutos.

¿Y que vemos aquí? … Más de dos horas de pornografía innecesaria (En primeros planos y todo), grotesca y realmente diabólica violencia que no es mas que desmesurada y exagerada. Y todo en nuestra cara. Pensémoslo bien. Tiene ondas estéticas y representativas exageradamente similares a los trabajos de época de Fellini (Como el Satyricon ó Roma) ó de Pasolini, con su trilogía de la vida (Exactamente en LOS CUENTOS DE CANTERBURY, otra película que no me gusta mucho) o incluso con su infamosa SALÒ (Que me encanta en una forma particular). Pero el problema es lo mal planteada que esta la situación que hace que como largometraje sea un desastre. Ni Tinto Brass, ni sus actores principales aceptan esta película como suya. Y es entendible porque.

Pregúnteme si sentí algo más en este visionado que en el anterior. Y yo respondo que no cambio mucho el sentimiento. Hubo escenas que me impactaron mucho, como el desmembramiento del pobre soldado al principio y el detallismo de la orgía en el barco, la cual, los que me contradigan dirán que esta muy bien filmada. De acuerdo, muy bien filmada tal vez, como pornografía. Pero hasta en esa instancia me parece hasta cuestionable. No hay nada erótico en ella. Todo es malsano, con olor a muerte. Mientras tanto los actores están muy bien, Malcolm McDowell, sobre todo, hace un muy buen trabajo además que esta una belleza excepcional, Teresa Ann Savoy, a quien espero encontrar incluso mas preciosa en SALON KITTY, es una preciosa mujer que le dio a su personaje de Drusilla todo lo que necesitaba. De resto, la música y los decorados son gigantescos y geniales, pero la película se convirtió en una mera excusa de Guccione para experimentar el epicismo porno que tanto podemos ver en pequeñas producciones porno hoy en día sin poco o nada de dinero.

En una entrevista, Guccione dice que para él no es pornografía, que si hubiera querido gastar todo ese dinero en una sola producción hubiera preferido hacer miles con el mismo monto. Bien, ahora eso es una idea coherente que puesta en practica hubiera salido mucho mejor. Pero, les tengo otra frase mejor. Helen Mirren dice “Es una irresistible mezcla de arte y genitales”. Y con eso acabo esta reseña de una película que desechare en casi todo su infortunio y la dejare inerte, como, tal vez, se lo merece.

CALIGULA – Dirigida por Bob Guccione, Co-Dirigida por Tinto Brass – Escrita por nadie, pero adaptada de un guión original de Gore Vidal – Reaprto: Malcolm McDowell (Caligula), Teresa Ann Savoy (Drusilla), Helen Mirren (Cesonia), Guido Manarri (Macro), Peter O´Toole (Tiberio), John Steiner (Longinus), Giancarlo Bdessi (Claudio) y ¡¡¡Miles de chicas Penthouse!!!– Producida por Bob Guccione. Color, 156 Minutos. Italia, 1979.

¡De Cineclubismos!

Bueno. Es algo que yo no había contado públicamente, pero llevo metido en el cineclubismo, ya como propulsor que como espectador desde Diciembre del año pasado. Y les digo. No ha sido fácil. Han pasado ya más de siete meses y no es fácil. Hice, junto a unos amigos, todas las formas posibles de salvar uno de los teatros más bellos de Bogota. Ahora solo allí hacen conciertos. Hicimos lo que pudimos. En el Antiguo teatro Teusaquillo pasamos a Kurosawa, Lynch, Waters, Argento, Chaplin y a Godard entre otros. No funciono.

Sin embargo se me ilumino otra oportunidad y un amigo nos consiguió un sitiecito bonito. Un restaurante con clase llamado Aires Argentinos. Ya llevamos tres meses y aunque en principio nos estaba yendo excelente, las entradas bajaron considerablemente. Pero aún así seguimos en la lucha. Como de todo los que crearon ó trabajaron en el proyecto solo quedamos dos, decidir las películas es menos demorado y créanme que para mi, es un verdadero paraíso. A veces no va nadie, a veces va poca gente, pero igual siempre estamos dándoles el buen rostro al publico. Y nuestra meta: Dar el cine que no hemos visto.

Acabado estos meses, pasamos a Godard con MASCULINO FEMENINO, a Marcel Camus con su ORFEO NEGRO, a Dario Argento con su SUSPIRIA, a Leni Riefenstahl y una película muy difícil de conseguir, TIEFLAND (Con una traducción exclusiva de Criss Cross), a Elia Kazan con la encantadora BABY DOLL y un Noir gringo fascinante con mi favorito, el apuesto Tyrone Power en un papelazo en NIGHTAMRE ALLEY.

Ahora, utilizo este ferviente post para anunciarles que hemos armado un ciclo de Cine Francés. Y les cuento, no puedo esperar a proyectarlo. Son 4 maravillosas películas las que verán, y novedosas en el cuento. Invito cordialmente a todos los bogotanos y que disfruten de estas maravillosas y algo extrañas de ver, películas francesas:

ESTE JUEVES 13 DE AGOSTO

- UNA CHICA TAN DECENTE COMO YO
De François Truffaut

- Jueves 20 de Agosto

EL DESPRECIO
De Jean-Luc Godard, con Briggite Bardot

Jueves 27 de Agosto

- VAGABOND (Sin Techo Ni Ley)
De Agnès Varda

Jueves 3 de Septiembre

- A NUESTROS AMORES
De Maurice Pialat
¿Y como se entra?

Es en el restaurante AIRES ARGENTINOS
Calle 42 con Caracas, exactamente al lado del Desayunadero de la 42, al frente de la estación de Transmilenio de la Calle 45.

Cuesta $3500 e incluye una bebida. Siempre los Jueves a las 7:00 PM

Y lo mejor (O peor), tiene incluida cada función, una introducción hecha por ME.

Entonces, a ver si van y que los que vayan que se deleiten y que no se despeguen por que viene mucho mas cine por conquistar.

Besos.

Busco dinero para divorciarme de mi esposa – MURDER À LA MOD de Brian De Palma

Un cineasta pobre y desesperado por divorciarse de su esposa quiere hacer arte, pero si quiere separarse y estar con su nueva novia, debe hacer nudies y películas de explotación. La novia roba el dinero a su amiga para ayudarle. La novia esta muerta. Hay un picahielo falso y uno verdadero. El verdadero hace daño, el falso hace bromas. Luego, la muerta esta lista para vengarse de ese malvado y apuesto director que "toma fotos". Esto es MURDER À LA MOD, la primera y tal vez más rara película que Brian De Palma ha dirigido.

Primero, quiero afirmar y re afirmar el cambio tan berraco, extraño y extremo que hay entre MURDER À LA MOD y los trabajos que hace hoy en día. Brian De Palma es uno de los directores con talento que más se ha desperdiciado en las últimas décadas. No soy muy exigente y no lo digo por lo mainstream. Pero el psicotronico cinéfilo tiene que aceptar la calidad de trabajo realmente cinematográfico que hay entre MURDER À LA MOD y MISIÓN IMPOSIBLE. La filmografía de De Palma esta divida en dos claras épocas: Desde este maravilloso trabajo hasta SCARFACE con el maravilloso Al Pacino y Michelle Pheiffer. Luego esta el resto. Primero, fue considerado injustamente como “el primer imitador” de Hitchcock, luego, casi lo destierran con LA HOGUERA DE LAS VANIDADES. Digo esto porque viendo películas como MURDER À LA MOD, no puedo imaginarme la razón por la que un autor se haya dejado encaprichar tanto por el celuloide.

La película en realidad es muy sencilla. La historia de un asesinato à la mod, esta contada desde varios puntos de vista de cinco maravillosos, extravagantes, reconocibles, coloquiales, slapstick personajes. Y lo mas interesante, es que los que esperen ver, como vagamente dicen una “imitación hitchcockiana”, lamento advertirles que lo que van a ver es a un Godard, un Godard totalmente sanguinario amante de picahielos. Es un Godard con la mente de un Chaplin matando gente y poniéndolas en un guardarropa para poder jugar con ellas en el cementerio municipal. Es obvio el toque independiente que tiene la película. Es el sueño debutante, típico del cinéfilo joven y entusiasta. Y por eso, a pesar de que la película relate la historia de un asesinato, es jovial, juvenil y llena de vida – o de vida después de la muerte, con ese final, je je -.

Esta la retentiva de una frase que estaría muy bien en volverse icónica si no fuera tan desconocida: “Por favor, no me hagas posar para esta fotos… Discúlpame, se que necesitas el dinero para divorciarte de tu esposa” – No hay mejor frase que explique al cine de explotación (Advirtiendo que esta, no es una de ellas). Esta el William Finley que todos amamos en EL FANTASMA DEL PARAISO, haciendo de un idiota bromista que simplemente no tiene idea de lo que hace. Vemos a Jennifer Salt en su audición para actuar en SISTERS. Esta el sueño de nuestra bella heroína – y De Palma, con ella, nos informa como seria un asesinato à la mod. Sangriento como el diablo. La escena del sueño todavía me da pesadillas. Y esta por supuesto, el joven director que no tiene dinero para divorciarse de su esposa.

De Palma es un maravilloso director. No solo MURDER À LA MOD es la síntesis futura de lo que nos vendría después (SISTERS, EL FANTASMA DEL PARAISO, CARRIE), es además uno de sus mejores trabajos y, es, lastimosamente, uno de sus más desconocidos. Solo se estreno en un teatro de Nueva York (Tengo informado que algunos críticos la vieron en doble con un trabajo de Paul Bartel), duro una semana y jamás volvió a ver la luz del día, hasta que Something Weird Video la rescato de un maravilloso negativo de 35mm. MURDER À LA MOD tiene toda la magia y vitalidad del cine, de lo maravilloso que es para contarnos es historias. Por supuesto, no es una película convencional (El epilogo dejaría enojados a muchos), pero es un ensayo maestro, lleno de estilo, creatividad, locura y amor. De Palma ha cambiado y es triste, pero por lo menos hay herencia y de la buena: Es la pesadilla de un artista lunático, jovial y libre. Con clichés llego a menos pretensiones: Esta, si es una obra maestra.

MURDER À LA MOD – Escrita y Dirigida por Brian De Palma – Reparto: Andra Akers (Tracy), Ken Burrows (Wiley), William Finley (Otto), Margo Norton (Karen), Jared Martin (Chris) – Producida por Ken Burrows para Aries. Estados Unidos, 1968. Blanco y Negro. Ingles. 80 Minutos.

Mi nuevo proyecto: FREAKY MIDNIGHT SHOW

Sheri Moon Zombie y Udo Kier estan totalmente invitados pero si y solo si me procrean un nazi mujer loba ... estoy que me hago un nazispolitaion.

De acuerdo. Se que suena pretencioso como el diablo, pero quería hacerlo y no me resistí a mis impuros deseos. Miren. Amo a Murnau, Visconti, Renoir, Antonioni, Fassbinder, Bergman … en serio, los adoro y los que me conocen saben que no miento y saben que seguiré leales a ellos siempre … pero que le vamos hacer … amo el cine basura, friki y raro como un lunático.

Ahora lo que no se es como … bueno… Lo que pasa es que tal y como estas película tiene clara cabida aquí pero quería hacerles un sitio especial con unas reseñas estructuradas y diferentes.

Bien, solo quiero invitarlos a que conozcan el sitio, ya tiene algunas reseñas y me gustaría que tuvieran el sitio en cuenta en pos de una recomendación o de una investigación de este tipo de extravagante cine.

Aviso, por supuesto, que algunas de las películas que reseñe allí pueden estar o estarán reseñadas aquí también, pero con la rutina de siempre. Pero lo dudo.

FREAKY MIDNIGHT SHOW

http://freakymidnightshow.blogspot.com

Gracias y los veo alla.

La conciencia, la vida y la muerte – THE OX-BOW INCIDENT de William A. Wellman

Quisiera decir que THE OX-BOW INCIDENT es uno de los mejores Westerns de todos los tiempos. Pero solo puedo decir que muchos aficionados lo afirman así. Yo no puedo. Como cinéfilo esta confesión que hago ahora mismo a ustedes atrevidos lectores, da mucha pena pero alegría al mismo tiempo. THE OX-BOW INCIDENT es, a mi tierna edad de 17, ya casi 18 años, mi primer Western. Por eso, pena. Pero alegría, porque es simplemente una pieza maestra.

THE OX-BOW INCIDENT, basado en la novela de Walter Van Tilburg Clark (¡La cual quiero leer pero ya!), relata una historia totalmente sencilla, pero con un poder inimaginablemente inmenso. Dos vaqueros, Gil Carter (Henry Fonda) y Art Croft (Harry Morgan) llegan a un pequeño pueblecito de Nevada, donde nunca pasa nada. De pronto todos los hombres del pueblo se reúnen al enterarse que uno de los hombres mas respetados del pueblo, Larry Kinkaid. Según una voz, ha sido asesinado con todo su ganado robado. Elevándose la temperatura, nadie puede creer en un juicio justo, pero sin ni siquiera tratar de comprobar los hechos, varios de los hombres mas respetados por la comunidad – e incluyendo a una mujer – deciden, sin ni siquiera pedirle permiso al sheriff para que el futuro linchamiento sea legal, colgar a los responsables. Y gracias por el chismerio, los han encontrado en Ox- Bow, ya a la madrugada. Tres hombres, un mexicano (Anthony Queen), un anciano y un joven vaquero (Dana Andrews). Las interrogaciones no hacen sino empezar y las horas se cuentan para que sean colgados sin piedad a pesar de que el aura mas incomodo se torne cuando Carter y Croft entre otros se impongan en la decisión de las personas mas respetadas del pueblo.

THE OX-BOW INCIDENT, a pesar de que no he visto ningún otro Western, tiene todas las más atípicas figuras del Western popular. Hay disparos para ser seguros, pero esta corta (Apenas dura 70 minutos) adaptación se centra, mayormente en un solo espacio, en una visión sociológica impresionante sobre la justicia y sus peligros de ser tomada por las propias manos. William A. Wellman, director que trajo joyas como THE PUBLIC ENEMY, retrata de una forma fría y con gran honestidad, la conciencia de todos los personajes. La sed de venganza de la multitud, de la varonil Jenny Grier (Jane Darwell) ó de la crueldad y conservatismo del Major Tetley; el miedo incesante de los tres enjuiciados (Dana Andrews es genial), la imparcialidad de algunos en su rostro, la trivialidad y confusión de Carter y Croft en decidir que esta bien sin necesidad de mirar a los demás, la distante mirada y preocupación espiritual de Sparks (Leigh Whipper) y finalmente, el inocente, reservado y misterioso Gerald Tetley, hijo del Major y que ha sido obligado por su padre para poder, por fin, ser un hombre.

THE OX-BOW INCIDENT es definitivamente un clásico sobre la conciencia. Aunque ya obras maestras habían hablado de las consecuencias de la mentalidad “mob” como por ejemplo FURIA de Fritz Lang (Película maravillosa), este film desarrolla una seca, dura y realista pero atmosférica visión de la muerte, del inmenso poder que tenemos en nuestras manos sobre ella y que siempre, en vez de hacer todo lo posible por mantenerle respeto, ansiamos siempre tener la razón sobre encima de cualquier cosa. Y todo esto con unos personajes que resaltan diferentes características que traducen la humanidad del tema a un nivel maravilloso: La soledad de Carter (Me encanto que la historia de amor que se pudo haber desarrollado fue limitada a tan solo unos diálogos y a unas miradas de menos de 5 minutos, la cual, incluso nos hace pensar en mucho mas de lo que nos dan), el orgullo del Major Tetley, la supuesta femineidad de Gerald Tetley que despuntan en dos temas claves en el film: La sexualidad y la religión. La primera totalmente traducida en la timidez y misterio del hijo de Tetley. La versión del hombre de la que quizá Jenny Grier sea una major persona para el papel. Y luego, al visión de la muerte y de la justicia vistas por la tradición católica, elemento importante que nos hace titilar cada vez que vemos a los tres enjuiciados, esperando al amanecer para ser ahorcados.

Esta es una película tremenda. Es una visión extraordinaria sobre la muerte, la vida y la conciencia a la que los seres humanos somos predispuestos en nuestra cotidianidad. THE OX-BOW INCIDENT es una película magistral y universal y estoy tan contento con mi primer Western, que espero que vengan muchos mas en los años que vienen, sin importar que THE OX-BOW ya es, para mi, uno de los grandes Westerns del siglo XX.

NOTA: A pesar de que hay algunos errores en la edición (Aunque muy pocos, como 1 ó 2), esta película, que estuvo nominada a Mejor Película de 1943, perdió frente a CASABLANCA de Michael Curtiz. Sinceramente, sin ser pretenciosos, THE OX-BOW INCIDENT es una película mil veces superior. Definitivamente, pueden ver que la Academia a veces se equivoca. ¿O son solo mis malos gustos?

THE OX-BOW INCIDENT – Dirigida por William A. Wellman – Escrita por Lamar Trotti basado en la novela de Walter Van Tilburg Clark – Reparto: Henry Fonda (Gil Carter), Dana Andrews (Donald), Harry Morgan (Art), William Eythe (Gerald Tetley), Anthony Queen (Juan Martinez), Frank Conroy (Maj. Tetley), Jane Darwell (Jenny Grier), Leigh Whipper (Sparks) – Producida por Lamar Trotti para la 20th Centuru Fox. Estados Unidos, 1943. Blanco y Negro. Ingles. 73 Minutos.

Mi Testimonio – REPO! THE GENETIC OPERA de Darren Lynn Bousman

REPO! es una opera rock diseñada como un comic gótico cinematográfico con altísimas dosis de gore. Por supuesto, con elementos como estos, es indudable que el filme encuentra y se hace propia para su audiencia. Es dirigida por Darren Lynn Bousman, quien ha dirigido tres secuelas de SAW para Lions Gate y uno puede darse cuenta de esas cosas; esta película tiene las mismas dosis de sangre (y órganos, muchos órganos) que los fans de la ultima década han chupado con tanto apego.

La historia es pura ficción futurista pero con la conciencia de una opera rock. En un futuro no muy lejano, la vida no es tan fácil. La deficiencia de órganos esta causando un gran daño a la humanidad. Geneco es una compañía exitosa que vende órganos en cómodas cuotas. La gente ve esto una salida fácil para poder seguir viviendo, pero las cuentas deben pagarse y si no hay dinero los órganos deben ser devueltos pero de la ajusticiada manera en que el Repo Man quiera. Geneco tiene un gran poder y detrás de su éxito se esconde un terrible secreto y la pobre Shilo, una adolescente enferma debe acceder a la respuesta correcta antes de que sea demasiado tarde y en la ópera genética, ha de responder todas las preguntas.

Como ya había dicho, REPO! esta introducido como un comic gótico viviente que trae a consecuencia un mundo futurista de prototipitos héroes y villanos. Como bien sabemos (y se nos es afirmado), la película también es una ópera rock. Es decir el argumento esta construido por canciones y REPO! en realidad tiene el potencial para ser un gran musical. Pero creo que la balanza se desequilibra y que la película funcionaria más como una película de única ciencia ficción y no como un musical. Hay canciones maravillosas (Chase the morning, Seventeen, We Started this Opera y Chromaggia son algunas de mis favoritas) pero la película en muchos momentos no sabe como mantener el ritmo musical y argumentativo a pesar de que creo que su mayor problema es la insoportable edición en algunas canciones. Mientras que en números como Chromaggia o Chase the Morning Lynn Bousman nos deja ver … bien, en muchos otros como “Zydrate Anatomy” o “Mark it Up”, tras insoportables muy acercados planos, la edición no deja al ojo ni esforzarse un poquito. Aunque este ultimo fenómeno no es culpa de Bousman, el musical cada vez se ha ido elevando mas al video clip MTV en vez de integrarla cinematográficamente con el ritmo de la música y, lo que es mas importante, la acción. Digamos, más bien, que la culpa es de Paris Hilton.

Sin embargo, la película tiene una gran conciencia típica de la opera rock. La conciencia es lo que hace que grandes operas rock como TOMMY de The Who y la más grande de todas, THE WALL de Pink Floyd, sean efectivas por su preocupación social, cultural e incluso, intima. REPO!, como dije, no se desarrolla muy bien en la parte musical, sin embaro, en el otro lado de la balanza, la película es lista, estratégica e increíblemente bien planteada. Sin miedo (Bueno, solo un poco) me atreveria a decir que cruza las mismas fronteras de Fritz Lang es su maravillosa METROPOLIS y ahí, el argumento del film si da a buen punto. Los organos ya tienen precio, y, seguro de que esto no es solo una excusa gore (Que funciona muy bien ya de esta forma), es que el tema de la venta de órganos esta excelentemente planteada y critica sin pretensiones un tema que muy poco se toca, elevándolo a un nivel pulp-gótico casi angelical y siniestro a la vez. La película es perfecta en ese aspecto.

No me quede con las expectativas vacías en el sentido musical, por supuesto. Bousman obtiene una gran ayuda de una preciosa cantante de opera llamada Sarah Brightman. ¿Quién mas puede ser tan ideal que la esposa/musa de Andrew Lloyd Weber, compositor que ha traído tantos musicales/operas rock como JESUCRISTO SUPERESTRELLA, WHISTLE DOWN THE WIND, CATS, EVITA ó EL FANTASMA DE LA ÓPERA (Como dato curioso, esta ultima fue inspirada y dedicada como regalo de Weber a su esposa Brightman y que la cual participo en la puesta de teatro original junto a Michael Crawford, así, que los papeles góticos ya le venían desde antes)? Su presencia es única y revitalizante para un género que la necesita a gritos.

Lo ultimo que me deja una incógnita es el porque muchos consideran a esta como el ROCKY HORROR de esta generación. REPO! claramente alcanzara un status de culto altísimo en el futuro, pero ambas son propuestas exageradamente distintas, una mucho mejor que la otra. Aunque claro, no deberían confiar en la palabra de alguien que defiende películas como SHOCK TREATMENT y la denomina como uno de los mejores musicales del siglo XX. A la final, mi testimonio es este: REPO! es una muy buena película futurista que equilibra su poca fuerza musical en una perfecta odisea de órganos y sangre – con un Repo Man, villano, héroe o antihéroe pero con un look espectacular. Sin embargo no es la película de culto de nuestra década. Ese titulo, ya que estamos en el 2009, se lo dejo, complacido, a PLANET TERROR.

REPO! THE GENETIC OPERA – Dirigida por Darren Lynn Bousman – Escrita por Darren Smyth y Terrance Zdunich – Reparto: Alexa Vega (Shylo), Anthony Head (Repo), Sarah Brightman (Blind Mag), Paul Sorvino (Rotti Largo) – Producida por Mark Burg, Daniel Jason Heffner, Oren Koules y Carl Mazzocone para Lions Gate Films y Twisted Pictures. Estados Unidos, 2008. Color. Ingles. 98 Minutos.

¡Y se nos fue Karl Malden!

KARL MALDEN
1912 - 2009

Sin que nos hayamos recuperado totalmente de las muertes de Michael Jackson y Farrah Fawcett, hoy me tope con una triste noticia. El grandioso actor Norteamericano Kart Malden murió hoy, a los 97 años de edad.

Junto al elenco de A STREETCAR NAMED DESIRE

Junto a Marlon Brando y Eva Maria Saint en ON THE WATEFRONT

Este genial actor nació en Chicago, Illinois en 1912 y se consagro como estrella al volverse amigo del director de teatro y cine Elia Kazan. Malden hizo de Mitch en la versión original de A STREETCAR NAMED DESIRE así como lo haría en la versión cinematográfica del mismo Kazan en 1951. Malden también hizo parte de otras películas de Kazan como ON THE WATERFRONT (La Ley del Silencio, 1954) y en la magistral, maliciosa y descarada BABY DOLL junto a Caroll Baker y Eli Wallach. Antes de protagonizar junto a Michael Douglas la famosa serie de policías LAS CALLES DE SAN FRANCISCO, Malden interpretaría a un ciego vidente en el juguetón e interesante giallo de Dario Argento, EL GATO DE LAS NUEVE COLAS junto a James Franciscus. Entre otras de sus películas podemos encontrarlo acreditado la adaptación del musical de Stephen Sondheim GYPSY dirigida por Mervyn Le Roy y como el General Omar N. Bradley en PATTON, junto a George C. Scott.

Junto a Carroll Baker en la maravillosa BABY DOLL

Junto a Rosalind Russell y Natalie Wood en GYPSY

Como un ciego curioso en EL GATO DE LAS NUEVE COLAS de Dario Argento

Malden murió hoy, el 1 de Julio del 2009 en Los Angeles, California a los 97 años.

Supongo que ya necesitaba descansar, aunque siempre, ya sea seguro por parte mía, nunca será olvidado por el gran artista y el gran ser humano que siempre fue.

PAZ A UN GRANDE

La fiesta recién empieza – CHILDREN SHOULDN´T PLAY WITH DEAD THINGS de Bob Clark

CHILDREN SHOULDN´T PLAY WITH DEAD THINGS debe ser la película más rara y teatral que he visto cuando hablamos de nuestros queridos Zombies en el cine e incluso es claramente difícil de comparar con otros trabajos – su objetivo dista al otro extremo de los intereses sociales de Romero pero también dista de cualquier sub-producto italiano de Bruno Mattei (Si han visto algo de este señor tal vez me entiendan). Este es el debut de un director muy afamado, prolífico y respetado. El fallecido Bob Clark (Acá acreditado como Benjamin) que dirigió películas tan famosas como BLACK CHRISTMAS, la bien amada familiar A CHRISTMAS STORY y la comedia juvenil, sexual muy popular PORKYS.

CHILDREN empieza con una entrada misteriosa. Un barco llega a una isla que alberga, según nos cuentan un gigantesco cementerio cuidado por una pequeña casa perdida entre el bosque. Con la niebla en los zapatos, Alan, un director de teatro y su grupo de actores se bajan del barco y caminan por el solitario bosque. Alan esta acompañado de Anya, una chica rara, con actitudes de niña que tiene una rara, abierta mirada. Una pareja de enamorados, un gordo gracioso y una experimentada sarcástica. Alan los ha convencido de venir para pode recitar un acto diabólico para poder revivir a los muertos del gigantesco cementerio. Los otros, creyéndole como loco, solo le hacen caso siguiéndole para que este no les despida de sus trabajos – Aunque en el caso de Anya, a ella poco le importa… cualquier cosa -. Sin obtener resultados, Alan decide llevarse el cuerpo de un selecto muerto. Al llegara a la casa Alan coge las viejas cortinas blancas y lo transforma en un improvisado vestido de novia. Alan y el cuerpo tienen una esplendorosa boda a medianoche. Ya, con los grupos con los nervios afuera y con Anya gritando como una loca pidiendo que respeten al cuerpo del muerto, Alan decide llevarse a su nuevo amigo a su alcoba, recostándole en la cama y este, al lado de él, descansando como marido y “cuerpo”. El grupo esta cansado y quiere irse de la isla, pero parece que la maldición no perdió su efecto después de todo y ahora tienen que enfrentarse con una masa hambrienta de muertos vivientes.

¿Por qué -me pregunto yo- una película con unos elementos tan raros que se distraen de lo básico y que intentan plasmar un estilo y objetivo diferente al filme de zombie promedio es tan querido por tan pocos? Lo digo, porque muchos, incluso amantes del autor, detestan esta película. Sus razones van desde un Alan insoportable hasta (Y creo que es lo que mas incita a este fenómeno) su primer largo acto, en donde se centran en mostrarnos las intenciones de los personajes y la (rara) interacción entre ellos. Ese acto incluye básicamente todo lo que acabe de describir lo que lleva inmediatamente al ultimo segundo acto del film que es lo que muchos fans esperan ver a los diez minutos en una típica película de zombies. La película tiene un dialogo extenso y es, de hecho, lo que acarrea el 80% de toda la acción de la película. Y con este dato, espero que, humildes lectores, humildes amantes del horror, no me lo tomen como un defecto. CHILDREN es una película rara por eso. Es una película que intenta ser todo menos el prototipo de una película Romeriaza y sin embargo se interesa en mostrarnos un escenario y unos extravagantes personajes más que a los mismos muertos vivos. A pesar de que muchos piensen que ese es el objetivo de cualquier zombie film, puede que este caiga en la categoría de ser un divertido film de muchas mas cosas. Este, y por eso es que me gusto tanto, tiene, bajo un fondo teatral, el ambiente de un mundo real como cualquiera pero luego de ver a Alan y su fijación necrofilia y a Anya, con sus interesantes ojos y su interesante modo de ver el mundo. Es un experimento que tarta algo nuevo y que lo hace con éxito. Y, cuando llega el ataque zombie, los personajes son totalmente creíbles en cuanto a lo que les esta pasando. Y aquí, los zombies son incluso interesantes. Con el maquillaje del mismo Alan Ormsby, los muertos caminan rápidamente y no pierden una sutileza humana. Tienen dientes feos pero tienen expresiones faciales interesantes y este elemento, en un momento de hilaridad tremendo ya en el ataque final de los últimos sobrevivientes, la hacen, incluso una adición igual de extravagante en la galería de las actitudes zombies (Descartando por supuesto a films como DEAD ALIVE de Peter Jackson o la comedia SHAUN OF THE DEAD – Que, de por si, están todavía muy lejos de idearse, aunque el Jackson noventero va mucho por esa onda).

CHILDREN, con su elenco y con los pocos recursos técnicos dan la exacta sensación que también presencie con THE EVIL DEAD de Sam Raimi. Estas películas tienen una sensación de realización familiar, de una originalidad de amistad. Es una película sencilla hecha entre amigos, lo cual la hace sentir mucho mejor ya que no es un producto de intereses o de explotación, es un trabajo de grupo, de un grupo que se toma en serio los problemas de la filmación cinematográfica y lo afrontan. Es exactamente el mismo caso de las dos primeras películas que Sam Raimi hizo en su vida. CHILDREN, además de tener un titulo espectacular, es una de las películas de horror mas extrañas que haya visto. Extrañas, más que todos, para el zombie convencional. Es una imaginaria, deliciosa película de zombies que se preocupa por la despreocupación, haciendo un trabajo serio. Tiene una originalidad teatral exquisita pero, a la vez, esa originalidad esta impregnada de una psicotrópico aire de locura y extravagancia que se disuelve en el argumento con unos personajes que hacen lo que haríamos cualquiera de nosotros en un parque en nuestra niñez. También nos enseña algo muy valioso. Nosotros, y parece que es algo que queda impregnado en el cine de Clark, no dejamos de ser niños. Alan, Anya y los otros dementes actores juegan a revivir muertos tal como su fuera un juego de niños y ahí es donde reside su encanto. Y a nosotros, que tanto nos encantaba jugar con las palas en la arenera, montarnos al columpio o, en el caso de Alan, revivir muertos en un cementerio a medianoche. Es una obra demente, divertida – si tal vez no infantil por tanta tripa, si tiene ese aire juvenil que tanto caracteriza a las obras de Clark y que aquí, se destapa más que nunca. CHILDREN es una maravillosa, extravagante, muy dialogada, juvenil película de Zombies. Y por eso me encanta.

NOTA: Después de ver esta película, no hay mejor compañera para un double feature que el ZOMBIE de Lucio Fulci. ¡Tomen mi palabra!

VEAN EL TRAILER AQUÍ ... Este mismo nada mas indica muchas cosas a las que me refiero.

CHILDREN SHOULDN´T PLAY WITH DEAD THINGS (Los Niños no deberían jugar con cosas muertas) – Dirigida por Benjamín Clark (1939-2007) – Escrita por Benjamin Clark y Alan Ormsby – Reparto: Alan Ormsby (Alan), Anya Ormsby (Anya), Valerie Mamches (Val), Jeff Gillen (Jeff), Paul Cronin (Paul), Jane Daly (Terry), Roy Engleman (Roy) – Producida por Bob Clark y Gary Goch. Estados Unidos, 1973. Color. Ingles. 75 Minutos.

¿Qué es peor que una imitación de Judy Garland? - THE BOYS IN THE BAND de William Friedkin

Eres un hombre triste y patético. Eres un homosexual y no quieres serlo. Pero no hay nada que puedas hacer para cambiarlo. No las oraciones a tu Dios. No los análisis que puedas comprar en todos estos años que te queden por vivir. Tu bien, tal vez algún día, podrás conocer una vida heterosexual, si lo quieres tan desesperadamente. Si lo persigues con el fervor de tu anhelo. Pero siempre serás homosexual a la vez. Siempre Michael. Hasta el día en que mueras.

Esta es la confesión del cumpleañero Harold al finalizar con el devastador “juego del telefono”. Dirigido a Michael. Un hombre gay, católico, de mediana edad quien admira, destrozado, la fuerte lluvia que sucede en el otro lado de la puerta. Al todos abandonar el apartamento, como bien el director William, Friedkin ha confesado, decide darle el único punto de vista subjetivo de la cámara a nuestro personaje, con la vista nublada y las lagrimas en los ojos, caen en el piso y, agarrándose de su compañero Donald del brazo, temiendo que se vaya para siempre grita con desesperación ¡No lo lograre! … ¡No lo lograre!

Esta, una de las más efectivas, de muchas de las escenas de THE BOYS IN THE BAND, desnuda a Michael en su totalidad. Entendemos lo distante, arrogante y neurótico que fue. Es un católico que vive con constante culpa. Que va a misa y que luego sale a pecar para volver a sentir la pena. Es una loca patética que se castiga a si misma sin piedad y sin alguna continua esperanza de cambiar. Esto es THE BOYS IN THE BAND.

Antes de que el director William Friedkin estrenara su reconocida obra de posesiones demoníacas que dio vuelta al mundo con THE EXORCIST, ya había levantado gran polémica con lo que probablemente es, por el momento, una película todavía oscura para, incluso seguidores de la famosa obra de horror o de la película de acción THE FRENCH CONNECTION, pero que para muchos homosexuales en esa época y aquellos tengan memoria en la actualidad de la época, fue una desafiante obra maestra que, por primera vez en la historia del cine había sido capaz de confrontar el tema de la homosexualidad, no como una enfermedad o como un problema, sino como un modo de vida. THE BOYS IN THE BAND relata, con inteligencia, audacia y sarcasmo, la noche de un grupo de nueves hombres. Ocho son gays, uno dice que no lo es. La fiesta esta organizada por Michael (Kenneth Nelson – Muchos lo reconocerán en un pequeño papel como Bill en HELLRAISER de Clive Barker), quien ha organizado su “sitiecito”. Donald, Hank, Larry, Bernard y el afeminado Emory son invitados a celebrarle una fiesta sorpresa al viejo Harold a quien, tienen de regalo, no solo una grandiosa comida, sino un tejano que Emory mismo ha escogido de la calle. Sin embargo, en la fiesta llega la desprevenida aparición de Alan, un antiguo compañero de Michael que ya se encuentra felizmente casado pero que necesita desesperadamente hablar con él. De repente, las cosas se calientan cuando, al hablar y hablar, el afeminado Emory encara al conservatismo de Alan. Pero después de un baile y una buena comida, la tormenta se acrecienta. Y Michael, tan macabro, católico y controlador decide encararlos a todos encerrándolos y obligándolos a jugar “El Juego del Teléfono”.

THE BOYS IN THE BAND fue la tercera película dirigida por William Friedkin, Matt Crowley apenas había escrito la obra de teatro (Inspirando el titulo basado en una escena entre James Mason y Judy Garland en A STAR IS BORN - aunque dice que lo escogió sin querer) y la había puesto en Broadway undeground, después de ver la adaptación de Friedkin de THE BIRTHDAY PARTY de Harold Pinter, Crowley decidió mandarle el guión a Friedkin, quien, el joven, quedo totalmente maravillado por el sorprendente trabajo de los diálogos – a la verdadera altura de ALL ABOUT EVE (Y ese es un gran honor que pocas películas han podido alcanzar). Y Crowley dice, complacido, que Friedkin acepto un muy duro trabajo que realizo con grandeza.

No solo porque su originalidad viene del teatro, THE BOYS IN THE BAND podrá parecer un poco “habladita” para algunos… y aunque preserva su herencia teatral, Friedkin le otorga una movilidad impresionante, acarreada con los maravillosos personajes y las increíbles líneas. Pero, introduciéndonos en el tema que se convoca, la obra de Crowley/Friedkin es más que maravillosa. Nos muestra, con una sensible hilaridad pero, principalmente, con sencilla honestidad y humanidad, una noche de la vida de estos hombres, cada uno diferente. Cada uno pecador. Cada uno con gustos diferentes. Unos más tímidos que otros. Otros completamente festivos y alegres. Otros totalmente arrogantes. Otros totalmente abstractos -El personaje de Michael, sin embargo llega al corazón, sin importar lo arrogante y equivocado que podamos creerle y sentirle -. Lo más maravilloso de esta obra es que supo traducir las problemáticas de los homosexuales, no como un tema medico, de investigación ó de explotación. Friedkin y Crowley crearon personajes netamente humanos que fueron una contemplación de más de un hombre en una época que hasta ahora se estaba encontrando así misma. Los tiempos no eran fáciles. La homosexualidad era tratada como una enfermedad e incluso penalizada. El resultado final es, hasta el día de hoy, una maravillosa película que no envejece ni un halo a pesar de todas las cosas que han pasado en estos más de 30 años. Porque es una traducción de una sociedad torturada. De un problema humano. De una retórica, que a pesar de la mayor aceptación de muchos, sigue siendo un tema sensible en el obligo del mundo.

Lo maravilloso es que todos y cada uno de los personajes son más que identificables. Sufrir con ellos es inevitable e incluso, así como causo efecto en muchos hombres, guardarlos en la memoria de su vida. Por eso, finalmente tuve una fijación con Michael y me he enamorado de él. No porque pudiera ser el tipo de persona con la que quisiera estar, sino porque por medio de él, entendí, no solo el objetivo vital de esta película, entendí el verdadero conflicto entre la sociedad y el hombre homosexual. Vivimos en un mundo de alienados, de alienados enamorados, de hombres que “consecuencian” su propia alienación. Por eso Michael sigue en las mismas, Crowley no apetece por darle a un cambio en su personalidad, ni siquiera una esperanza. Y no porque quiera ser pesimista y malvado con su creación, sino porque Michael mismo a elegido seguir su camino. Michael no es la prueba de que THE BOYS IN THE BAND es una obra conformista…es una obra realista sobre un mundo que se conforma.

Y para los que querían saber la respuesta a la pregunta del subtitulo. Es Bette Davis.

THE BOYS IN THE BAND – Dirigida por William Friedkin – Escrita por Mart Crwoley basado en su obra de teatro – Reparto: Kenneth Nelson (Michael), Frederick Combs (Donald), Cliff Gorman (Emory), Laurence Luckinbill (Hank), Keith Prentice (Larry), Peter White (Alan), Reuben Greene (Bernard), Robertb La Tourneux (Cowboy), Leonard Frey (Harold) – Producida por Mart Crowley para Leo Productions y Cinema Centres. Estados Unidos, 1970. Technicolor. Ingles. 118 Minutos.